Descubre la magia de la tradición Italiana más querida: La Befana

La Befana es una figura tradicional italiana que se ha convertido en un símbolo importante de la cultura y el folclore italiano, especialmente durante la Epifanía (6 de enero). A continuación, te presento algunos aspectos destacados de esta figura:

Orígenes y significado

1. La Befana tiene raíces en tradiciones paganas antiguas, posiblemente relacionadas con la diosa romana Diana, protectora de la naturaleza y la luna.

2. Su figura se asocia con la celebración de la Epifanía, cuando según la leyenda, ayudó a los Reyes Magos a encontrar el camino a Belén.

Características y tradiciones

Se la representa como una anciana que vuela en una escoba, llevando un saco de regalos y carbón.

La Befana deja dulces y regalos a los niños que se han portado bien, y carbón a los que no.

Los niños dejan zapatos bajo el árbol de Navidad para que la Befana los llene de regalos y cambie sus zapatos desgastados. 

En algunas zonas de Italia, se deja una naranja o mandarina y una copa de vino para que la Befana recupere fuerzas.

Importancia cultural

La Befana es una figura querida en la cultura italiana, simbolizando la bondad y la generosidad.

En algunas regiones de Italia, como en el sur, se la considera el "cuarto rey mago".

Su celebración marca el final del período navideño y el comienzo de un nuevo ciclo.

Difusión global

Aunque es más conocida en Italia, la tradición de la Befana se ha extendido a otras partes del mundo, incluyendo América Latina, gracias a la influencia cultural italiana.

En México, específicamente en el estado de Puebla, la comunidad italiana de Chipilo celebra la Befana con tradiciones como la quema de una efigie y la distribución de dulces.

Representaciones y versiones

1. Existen varias versiones de la leyenda de la Befana, incluyendo la historia de una madre que busca a su hijo y encuentra al niño Jesús.

2. La Befana también se asocia con la diosa Strenia, patrona de la fortaleza y la resistencia en la mitología romana.

La Befana es un ejemplo fascinante de cómo las tradiciones y leyendas pueden evolucionar y adaptarse a lo largo del tiempo, manteniendo su esencia y significado cultural.

De San Nicolás a Santa Claus: La evolución de un símbolo navideño

Se acerca navidad la época favorita de chicos y  grandes, momentos para compartir y disfrutar en compañía de tus seres queridos y como la tradición lo dice es tiempo de bondad y generosidad, que mejor manera celebrarla  recordando al mítico personaje de traje rojo que ya sido un ejemplo a seguir, sí  nos referimos a Santa.

La figura de Santa Claus se basa en la vida de San Nicolás de Bari, un obispo cristiano del siglo IV que vivió en la ciudad de Mira, en la actual Turquía. San Nicolás era conocido por su generosidad y bondad, especialmente hacia los niños.

Según la leyenda, San Nicolás salvó a tres hermanas de una familia pobre de ser vendidas como esclavas. Para evitar esto, San Nicolás les dejó una bolsa de oro en la ventana durante tres noches consecutivas. La tercera noche, el padre de las hermanas descubrió a San Nicolás y se sintió agradecido por su generosidad.

Con el tiempo, la figura de San Nicolás se fusionó con la del dios germánico Odín, que era conocido por su barba blanca y su capacidad para viajar por el cielo en un caballo volador. Los holandeses llamaban a San Nicolás Sinterklaas, que se convirtió en "Santa Claus" en inglés.

En el siglo XIX, el poeta estadounidense Clement Clarke Moore escribió el poema "A Visit from St. Nicholas" (también conocido como "La noche antes de Navidad"), que popularizó la imagen de Santa Claus como un hombre gordo y barbudo que viaja en una sleigh tirada por renos.

Desde entonces, la imagen de Santa Claus ha sido popularizada a través de la publicidad, la televisión y el cine, y se ha convertido en un símbolo universal de la Navidad y la generosidad.

Te dejamos algunas curiosidades de este personaje tan iconico:

1. La barba blanca de Santa es un símbolo de sabiduría*: En la tradición cristiana, la barba blanca es un símbolo de sabiduría y experiencia.

2. Los renos de Santa tienen nombres: Según la tradición, los renos de Santa se llaman Dasher, Dancer, Prancer, Vixen, Comet, Cupid, Donner y Blitzen.

3. El traje rojo de Santa fue popularizado por Coca-Cola: En 1931, la empresa de refrescos Coca-Cola contrató al ilustrador Haddon Sundblom para que pintara a Santa Claus para una campaña publicitaria. El traje rojo que diseñó Sundblom se convirtió en el estándar para la imagen de Santa Claus.

4. Rodolfo el reno es un personaje muy querido en la tradición navideña. Fue creado en 1939 por Robert L. May, un publicitario estadounidense que trabajaba para Montgomery Ward.

La historia de Rodolfo se publicó originalmente en un folleto titulado "Rudolph the Red-Nosed Reindeer" y se distribuyó gratuitamente en las tiendas de Montgomery Ward durante la Navidad de 1939. La historia cuenta cómo Rodolfo, un reno con una nariz roja brillante, se convierte en el héroe de la Nochebuena al guiar la sleigh de Santa Claus a través de una tormenta de nieve.

En 1949, el compositor Johnny Marks adaptó la historia en una canción, "Rudolph the Red-Nosed Reindeer", que se convirtió en un éxito instantáneo. La canción ha sido versionada por muchos artistas, incluyendo Bing Crosby, Ella Fitzgerald y Gene Autry.

A partir de ese momento, Rodolfo ha pasado a ser un símbolo de la aceptación y la inclusión, demostrando que nuestras diferencias pueden ser nuestras mayores fortalezas. 

5. Santa Claus recibe más de 500.000 cartas al año: Según el Servicio Postal de Canadá, Santa Claus recibe más de 500.000 cartas al año de niños de todo el mundo.

De esta manera conocimos la historia de este personaje tan entrañable que tantas alegrías y recuerdos quedan guardados en nuestra memoria por siempre.

Historia del helado

Todos hemos probado alguna vez un helado este postre delicioso y único en su estilo, que ha pasado por varias modificaciones para degustarlo tal y como lo conocemos actualmente. 

El origen 

La historia del helado  se remonta a la antigua china, 2000 a.c. donde  emperador Chino Shang Dynasty crea un postre a base de hielo y frutas el cual se llamo rice milk ice.

Gracias al hielo se logró una mezcla con  la fruta llamado sorbet en Persia en los años 500 a.c. 

Para la época griega y romana también disfrutaban de un postre similar hecho de hielo y frutas, llamando sorbetum, aún no hay evidencia de un helado sólido.

En los años  1500 d.c. aproximadamente los árabes le agregaron azúcar a la receta de sorber y crearondo así el  postre  llamado sharbat. 

Su predecesor 

El país que revolucionó el postre de fruta con azúcar fue Italia añadiéndole crema dandole más densidad y cuerpo a esta invencion se le llamó gelato.

El cual se volvió popular en la  corte de los Medici en Florencia durante al época del renacimiento.

De Italia se importó a Francia y lo llamaron glace. De ahí se fue a España y lo españoles lo llevan a América con el nombre de helado.

Fue así como se convirtió en el postre favorito del mundo.

Ya estando en América, Estados Unidos Oliver Evans  fue el creador de la primera máquina de helado en el año de 1843. 

En Francia el chef Berthillon crea el primer helado sabor vainilla en el año de 1850 a partir de entonces, uno de los sabores predilectos en el mundo.

Ya en el siglo XX con la invención de la máquina eléctrica revoluciona la producción masiva. Tambien, Estados Unidos revolución el helado de duro al suave en el año de 1950.

En la actualidad 

Gracias a la globalización se han innovado infinitas variedades y sabores, además de que la tecnología ha permitido producir helados con ingredientes y texturas innovadoras 

Algunas curiosidades 

En Nueva York, en la heladería Serendipity en contramos el helado más caro del mundo es el Golden Opulence Sundae con un valor de $1000 dólares. EConsiste en dos bolas de helado de vainilla tahitiana infusionado con vainilla de Madagascar, cubierto en hoja de oro comestible y con los chocolates más raros del mundo. Amadei de Porcelana y trozo de Chuao venezonalo, además almendras cubiertas de oro, frutos caramelizados importados de París, una copita de cristal con caviar Gran Passion y el toque final una pequeña flor de azúcar que toma ocho horas en realizarse, trufas y cerezas de mazapán. Para los amantes de costosos postres deberán pedirlo con dos días de anticipación.

El helado también ha entrado a los récords Guinnes desde el 2014, con 1,103 litros hasta 3000 listos el récord más reciente.

Las marcas de helado más populares en el mundo son:

Ben and Jerry's:conocida por su calidad y variedad de sabores, es considerada una de las mejores marcas de helado a nivel mundial.

Carte d'Or: con una gran presencia en Europa, ofrece una amplia variedad de sabores y productos.

Häagen-Dazs: famosa por sus establecimientos de alta calidad y su exclusivo diseño de tarrina.

Cornetto: conocida por su cucurucho de helado con chocolate y su disponibilidad en diversos tamaños.

Magnum: ofrece una amplia variedad de productos y sabores, y es conocida por sus anuncios sensuales.

Kalise: una marca española que se ha convertido en una de las mejores del mundo gracias a su exportación.

Blue Bell Creameries: considerada por algunos como la mejor marca de helado, es conocida por su calidad y variedad de sabores.

Estas marcas son líderes en el mercado de helados y tienen una gran presencia en todo el mundo.

Esta es la larga, pero breve historia de este postre tan iconico y famoso que desde tiempos inmemoriales ha deleitado a todo el mundo al grado de ser el preferido el preferido de chicos y grandes por su versatilidad en sabores y texturas.

Historia del tradicional Pan de Muerto

El pan de muerto es un tipo de pan dulce tradicional mexicano que se consume principalmente durante la celebración del Día de Muertos, que se lleva a cabo del 1 al 2 de noviembre. Aunque su origen exacto es incierto, hay varias teorías que sugieren que este pan tiene raíces que se remontan a la época prehispánica y la conquista española.

Durante la conquista, los españoles introdujeron en México su tradición de hacer panes especiales para honrar a los difuntos, especialmente durante la celebración del Día de Todos los Santos (1 de noviembre) y el Día de los Fieles Difuntos (2 de noviembre). Los panes españoles se hacían con ingredientes como harina de trigo, azúcar y anís, que se unieron a los ingredientes tradicionales mesoamericanos como el maíz y el cacao.

Con el tiempo, el pan de muerto se convirtió en un símbolo importante de la celebración del Día de Muertos en México, y su preparación y consumo se han mantenido como una tradición arraigada en la cultura mexicana. El pan de muerto suele tener forma redonda y se decora con huesos de azúcar y otros adornos que representan la muerte y la vida después de la muerte.

La historia prehispánica del pan de muerto es fascinante y se remonta a las tradiciones y creencias de las culturas mesoamericanas, especialmente los aztecas y mayas.

En la época prehispánica, los pueblos mesoamericanos celebraban rituales y ceremonias para honrar a sus muertos y dioses. Durante estas celebraciones, se ofrecían alimentos y bebidas especiales, incluyendo panes y tortillas hechas de maíz.

Algunos antecedentes del pan de muerto prehispánico incluyen:

1. Panes de maíz: Los aztecas y mayas hacían panes de maíz para ofrecer a sus dioses y muertos. Estos panes se llamaban "tlaxcalli" o "tortillas de maíz".

2. Ofrendas a los muertos: En la cultura azteca, se creía que los muertos necesitaban alimentación en su viaje al más allá. Se dejaban ofrendas de comida, incluyendo panes, en las tumbas y altares.

3. Ceremonias de Miccailhuitl: La festividad azteca de Miccailhuitl, celebrada en noviembre, honraba a los muertos. Durante esta ceremonia, se ofrecían panes y otras ofrendas a los difuntos.eses

4. Influencia maya: En la región maya, se celebraba la festividad de "Hanal Pixán", que también honraba a los muertos. Se cree que esta tradición influyó en la celebración del Día de Muertos en México.

Su significado el pan es circular que representa el ciclo de la vida en medio tiene un círculo que representa el cráneo, y las tiras en cruz representantan los huesos de los difuntos. Su aroma de azahar o escencia de naranja pues , se cree que el aroma y las luces ayudan a recordar y reconocer su lugar.

Los españoles, al llegar a México, encontraron estas tradiciones y las fusionaron con sus propias creencias y costumbres, dando origen al pan de muerto que conocemos hoy en día.

Robos del arte

El arte es una industria de gran valor tanto monetario como histórico y por esa razón ha sido objeto de múltiples actos delictivos, principalmente el robo, los motivos van desde dinero hasta el mero gusto de tener una pieza de arte. Sin embargo, algunos robos han destacado por ser espectaculares, piezas invaluables o que parecían imposibles de robar. A continuación les dejamos una pequeña lista, como ejemplo de las grandes hazañas de estos delincuentes del arte.

1.- Mona Lisa

Considerada la pintura más famosa del mundo, fue pintada por Leonardo Da Vinci entre 1503 y1506, esta obra fue realizada sobre una superficie de 77 cm por 35 cm, a pesar de su tamaño, se ha convertido en una de las mas fascinantes piezas por poseer una enigmática sonrisa. 

La pintura es un retrato de Lisa Geraldine, esposa del mercader florentino Francesco del Giocondo y ha sido objeto de múltiples análisis,  teorías e interpretaciones sobre su significado  y su simbolismo.  Dada su antigüedad  fue restaurada y limpiada en varias ocasiones, actualmente es valuada en $800 millones dólares.

Originalmente conocida como la Gioconda fue rebautizada como Mona Lisa por el escritor  y critico de arte Giorgio Vasari en su libro las vidas de los más excelentes pintores escultores y arquitectos (Le Vite de' pui excelente pitorá, escultor, e architettori) publicado en 1550. Vasari le dio el nombre en honor a la esposa de Francesco del Giocondo un mercader florentino quien según cuenta la leyenda le encargo  la  pintura a Leonardo usando el apelativo mona o doña y Lisa que era el nombre de  su mujer. Se dice que  con ella se pretendía celebrar el nacimiento del segundo hijo de la pareja. Giocondo pagó por la pintura, aunque se desconoce por qué no la conservó,  desde entonces, Leonardo se enamoró de la obra y se la quedo, la llevo  consigo a París donde después de su muerte fue adquirida por el rey Francisco 1 de Francia en 1519, a partir de entonces se encuentra  en el museo de Louvre en la misma ciudad.

Su famoso robo se llevo acabo en 1911 por el carpintero italiano Vincenzo Peruggia quien quería devolverla a su país, su plan consistía en quitar la caja de seguridad, desmontarla, sacarla y guardarla en su bata para regresarla a Italia, porque la consideraba un tesoro nacional que había sido sustraída y sentía que su deber era devolverla,  así que elaboró  un plan que consistía en desmontarla de su marco, enrollarla y  guardarla bajo su bata, salir por la puerta trasera sin ser descubierto mientras el museo opera habitualmente. Una vez que lo llevó a cabo se dirigió a la salida encontrándose con que la puerta que estaba cerrada, para su fortuna un compañero pasa por ahí con la llave y le abre, solo le queda una ultima puerta, la cual afortunadamente estaba abierta, camina por las calles de París con la obra escondida bajo su bata hasta llegar a su departamento. Así de fácil fue como culminó uno de los robos más espectaculares de la historia del arte. 

Peruggia,  la tuvo escondida en su departamento por dos años, debajo de una mesa para tomar café, sin que  la policía francesa tuviera respuestas. hasta que dieron con su paradero después de que él intentó venderla a un mercader de Florencia, sin embargó no contaba que lo denunciaría. Así fue  como La Mona Lisa regresó a su museo de Louvre nuevamente.  Vincenzo fue encarcelado por dos años, no obstante para algunos italianos fue con buena intención.

2-. El mayor ladrón del arte Stéphane Breitwieser

Stéphane, se hiso famoso ladrón de arte originario de Francia que cometió numerosos robos de arte en museos en y galerías de arte en Europa durante la década de 1990 y principios de la de 2000. 

Se estima que robó más de 239 obras de arte, incluyendo pinturas, esculturas y objetos de arte de 172 museos y galerías en 14 países. Nació en Francia en 1971 en una familia coleccionista sus primeros robos se llevaron a cabo cuando tenia 19 años y continuaron por mas de una década con el uso  de métodos ingeniosos para el exceso a los museos y galerías frecuentemente disfrazado de turista o visitante algunas de las obras que robo fueron pinturas de maestros como Brueghel Rubens Watteau, además de objetos de la antigüedad como vasijas griegas y romanas. En el año 2001 fue arrestado en Suiza, después de una denuncia por parte de su madre fue condenado a 4 años de prisión en Francia y 3 en Suiza. Tras ser liberado habló en  publico de sus crímenes, incluso escribió un libro sobre su  experiencia como ladrón de arte, ha hecho declaraciones sobre haber robado por la emoción y el desafió en vez del valor monetario.

3.- El grito de Edvard Münch

Esta pintura pintada en 1893 por Edvard Munch en Oslo, Noruega perteneciente a la corriente expresionista (estilo que interpreta una versión propia de  la realidad de acuerdo a los sentimientos del artista)  muestra a un hombre que refleja una profunda angustia y desesperación y el cual es trasmitido al espectador, quien a su vez puede compartirlos al momento de adentrarse a la pintura.  Aun contiene una fuerte influencia dentro y fuera de los confines del arte lo que le da su fama y reconocimiento, incluso por parte de quienes no conocen de arte. Actualmente se puede ver en el museo en Oslo, gracias al trabajo de recopilación de archivo de la producción se puede entrar en contacto con la esencia de Munch, el cual a ganado mucha más fama de la que el artista hubiera esperado. 

La primera versión fue robada el 13 de febrero de 1994, cuando un grupo de ladrones fuertemente armados aprovechaba la poca seguridad del museo (por la inauguración de los juegos olímpicos de invierno) lo que les permitió entrar por una ventana que rompieron por una escalera y sustraer la obra de El grito descolgándola junto con otra del mismo autor La Maddona,  y huyendo en menos de un minuto, a pesar de que la alarma se activo fueron tomados en video además dejaron un nota que decía "gracias por la pésima seguridad". Ambas pinturas estaban valuadas en 50 y 18 millones de euros respectivamente. Las autoridades noruegas recurrieron al detective Charles Hills quien se hizo pasar por una falsa identidad con el fin de conseguir la obra para lo cual hizo una cita con la banda en una localidad de Oslo donde se escondía la pieza para comprobar que era la original se llevo el lienzo a cambio de lo acordado 300 mil libras, pese a que estaba valorada en 72 millones posteriormente, los ladrones fueron detenidos y llevados a juicio por sus acciones. 

Se dice que el cuadro fue ocultado en una mesa usada para tomar café y comer por las tardes, más adelante  en el año 2004 robaron otra versión del cuadro una mañana tres hombres armado entraron a plena luz del día amenazaron al personal y descolgaron el cuadro de la pared y posteriormente huyeron en un vehículo que esperaba afuera del museo  

Actualmente es una obra muy custodiada con el fin de evitar un posible robo sucedió en 1994 y en 2004 año en que la versión de 1910 fue sustraída del museo.

Por suerte, ambas versiones fueron recuperadas aunque la segunda requirió una restauración para volver a ser exhibida el 31 de agosto de 2006, se anuncio la recuperación de las pinturas negando un pago y rechazando como se habían encontrado aunque se había reportado que la policía tenia la teoría de que probablemente era un delito perpetrado por una banda.

4.- La Natividad de Caravaggio 

Fue un pintor italiano que revolucionó la pintura barroca con su estilo innovador y emocional. Su vida estuvo marcada por la controversia, la violencia y la muerte prematura. Aquí te presento algunos aspectos interesantes de su vida y obra. 

Nació en Milán Italia en 1571, empezó siendo alumno del pintor Simone Petresano posteriormente, en 1592 se mudo a Roma donde ganó un importante prestigio como pintor, aunque hay que mencionar que su vida se vio marcada por problemas debido a peleas callejeras; una de las cuales termino en un asesinato, que lo llevo a huir de Roma a Nápoles y Malta.

Su estilo se caracteriza por el uso del claroscuro que crea un fuerte contraste de luz y oscuridad enfocado en los sentimientos de sus personajes usando la realidad como modelo para sus lienzos. Una característica de la pintura de Caravaggio es su sentido de oscuridad tanto literal como figurativo.

 Literalmente Caravaggio era un maestro del chiaroscuro su técnica usaba fuertes contrastes entre luz y oscuridad con el fin de crear un efecto tridimensional, esto conducía a pinturas con una atmosfera dramática y emotiva mientras que figurativamente su obra presentaba temas y emociones oscuras como la muerte, pasión, traición y la redención; además a menudo se veía un tono introspectivo y psicológico que hacia que el espectador a reflexionara sobre la condición humana.

Esta obra resalta en lo particular por ser una de las últimas que realizó antes de su muerte en 1610, esta obra representa el momento del nacimiento de Jesús con el característico estilo oscuro y realista del artista esta pesia fue robada entre el 17 y el 18 de otubre de 1969 en el oratorio de san Lorenzo en Palermo, Italia esta obra valuada en 30  millones de dólares, por lo que ha sido objeto de una intensa búsqueda. que lleva mucho tiempo sin ser resuelta han surgido diversas hipótesis acerca  se han presentado múltiples teorías del posible paradero de la pintura. Se dice que el rapto fue orquestado por la mafia siciliana, por lo que sigue en su poder. También se dice que se encuentra en un lugar desconocido, esperando ser descubierta. Incluso, una de ella señala su posible destrucción, pero ninguna ha sido confirmada y su paradero sigue siendo un misterio. 

Posiblemente, se ha mantenido oculta durante todo este tiempo haya estado en posesión de la mafia que la ha mantenido oculta durante todo este tiempo debido a que se ha estado involucrada en el tráfico de arte en el pasado. No obstante, también, existe la posibilidad de que haya sido vendida en el mercado negro o bien en manos de algún coleccionista privado, aunque la falta de pruebas y de pistas concretas  se dificulta tener la certeza de que le sucedió a la pintura.

A pesar de eso, no se pierde la esperanza de encontrarla, mientras gracias a la IA se pudo realizar una replica que se colocó en el mismo lugar.

La Guitarra: El instrumento predilecto de la historia

Si hay un instrumento que se ha consolidado como el favorito para varios géneros ese es sin duda la guitarra, por su versatilidad y por sus múltiples sonidos, los cuales la convierten el instrumento ideal para el acompañamiento de cualquier cantante. En todo rincón de la tierra sin importar la época  a estado presente de una u otra manera y miles de artistas la han empleado en sus obras alrededor del mundo. A continuación contaremos su historia. 

No se tiene un registro exacto de cuando se origino este instrumento, pero hay indicios que sugieren al imperio Acadiano en Mesopotamia en el año 233 a.c.  con el tanbur en la edad de bronce  al día hoy se lo sigue tocando en medio oriente, también se sabe de otros instrumentos en otras partes del mundo. Fuera de eso se tiene perdido todo registro de instrumento hasta la aparición del Oud incluso de este instrumento se tiene poca información  se cree que  es una modificación del barbad y se sabe que a diferencia del tanbur éste tiene el cuello inclinado, además de tener todas sus cuerdas duplicadas a excepción de la más grave, aunque en excepciones se duplicaba la cuerda lo cual hacia que hubiera diferentes tipos de Oud, algunos eran tocados con plumas de águila. Este instrumento no tiene trastes, ya que la música arábica piensa diferente a la música occidental. En oriente se usan escalas llamadas macan, las cuales tienen notas que no forman parte de nuestra teoría musical. Los bemoles y los sostenidos vareaban de acuerdo a la región esto hacía que el Oud fuera mas un instrumento melódico que un instrumento para tocar acordes, cosa que se dejaba para músicos más avanzados. 

El instrumento que le siguió fue el Laúd, muy similar a su antecesor con la diferencia de que en ves de duplicar todas las cuerdas y la sexta dejarla individual, se duplican todas y la primera la dejan individual se le llamaba el chantarle, también conocido como la cuerda que canta; además se cree que se conservó la duplicación de las cuerdas para aparentar lo que hacia un coro donde las voces se afinan de manera diferente y esto le da más poder y mayor resonancia. asimismo se dejo de usar los plectros para favorecer el uso de los dedos esto con el surgimiento de la polifonía, es decir tocar varias notas simultáneamente con esto se empezó a tocar diferentes tipos de melodia a demás de ser un instrumento mas axesivle al publico y que permita tocar cosas mas complejas que solo melodías.

Al llegar los siglos XI y XII aparecieron dos variantes de guitarra la madora y la latina, las cuales contaban con diversas formas y elementos los cuales denotaban cambios propios siguen sus puntos de origen mientras que la mandara tenia mas popularidad en el oriente. la guitara latina basa su evolución  en las citaras de Europa central estos tipos de instrumentos se pueden en varias obras artísticas y arquitectónicas de la época también surgieron variantes de la guitarra como la mandara y la guitarra latina mismos que eran diferentes en sus formas y estilo.

Por un lado, la mandara era más propia de cultura orientales y la guitarra latina mostraba un origen de Europa central.

Siglo XIV Guitarra español Se dio un punto de inflexión para generar un cambio en cuanto al uso con la aparición de los primeros prototipos de la guitarra española.

El pueblo español comenzó a difundirla durante celebraciones y otro tipo de actos. Gustaba tanto que se comenzó a utilizar por parte del pueblo español en celebraciones y otro tipo de actos. Era una herramienta que encantaba al pueblo y que animaba cualquier fiesta.

Al mismo tiempo, en España empezaron a utilizar la vihuela, una guitarra que se convirtió en la preferida de cortesanos y aristócratas. Lo que nos hace pensar que cada grupo social tenía su instrumento favorito hablando de los de cuerdas. Hay que aclarar que la guitarra popular solo tenía cuatro cuerdas doble mientras que la vihuela eran seis.

Siglo XVI

Durante este periodo, la guitarra experimento un cambio gracias a Vicente Espinel quién tuvo la brillante idea de introducir una quinta cuerda.

España se adaptaba cada vez más a ese instrumento y empezaron a sufrir obras hechas especialmente para el mismo. Se dio un fuerte enfoque entre modelos de cuatro a cinco órdenes, no obstante  se había impulsado lamides de Espinel que consistía en poner una sexta cuerda.

Siglo XVII

Llegado este siglo el instrumento se volvió una clara referencia de la cultura española.  Permitió que en esa época se buscará el reconocimiento internacional,  está esfuerzo permitió que toda la gente tuviera acceso a esta guitarra sin importar su clase social. La literatura apoyó a la guitarra mediante publicaciones que fortalecieron  su relevancia artística. También salieron una serie de guías y manuales para que más gente pudiera tocarla con más audacia debido a que en España comenzaba hacer parte de su filosofía tener un instrumento que fuera accesible para todos a diferencia de los diseños más complejos que habían en otros países. 

Su éxito fue tal que poco a poco fue adoptada por otros países, por ejemplo en Francia se convirtió en el instrumento preferido del Rey Luis XIV. Sin embargo no convencía a las orquestas de cámara, en las  que hasta la fecha se puede prescindir de ella.

Siglo XVIII

Al comenzar el siglo XVIII se dio un momento decisivo  en cuanto al diseño de la guitarra al sumársele una sexta cuerda .Al mismo tiempo, se toma la afinación que hoy conocemos. y se modifico la manera de tocar este instrumento tanto en la manera de pulsar como en la colocación de las manos. Se realizan cambios en la estructura de las guitarras para tener el modelo con trastero elevado.

 Siglo XIX

La  guitarra es aceptada por la música de cámara y se vuelve un instrumento concertista crece el numero de obras compuestas para el instrumento y surgen celebres guitarristas españoles como Dionisio Aguado o Fernando Sor. A la par de su llegada a Estados Unidos donde es modificada a fin de adaptarse con tendencias locales se siguieron realizando cambios en el diseño hasta llegar a los modelos actuales y se trabaja en la guitarra flameante, gracias al trabajo de Torres Jurado 

Siglo XX

La guitarra española se consolida como uno de los instrumentos más importantes del mundo, el cual encaja en todo tipo de ambiente debido a su flexibilidad y facilidad de uso, que la  convertían en una de las favoritas entre los aficionados de la música.  Se definen las notas de la ejecución y los elementos principales de su diseño así como las obras más destacadas.

A pesar de todo el tiempo transcurrido la versatilidad de este instrumento lo a convertido en uno de gran presencia alrededor del mundo sigue presente en la mayoría de los géneros musicales.

Tipos de guitarras

La guitarra a tenido una evolución tal que han surgido diferentes tipos a lo largo del mundo para diversos usos en distintos géneros como el rock, el jazz, el flamenco, entre otros;  siendo en la actualidad uno de os instrumentos más utilizados en el mundo: Las guitarras que los músicos prefieren la acústica, flamenca, eléctrica, electroacústica.

Guitarra Acústica: 

Es la que mas abunda en los hogares en cuyo sistema de sonido se produce con la vibración de las cuerdas sobre la caja de resonancia. Una cualidad propia que tiene es que no necesita amplificador.

Esto le da un sello propio y contundente. No obstante este tipo de guitarras presentan unas variaciones como la renacentista o incluso la sajona que tiene las cuerdas de metal tal es el caso de la guitarra renacentista o la guitara sajona esto hace que varie el tipo de música que consigue cada una de ellas 

Guitarra Flamenca:

Su principal característica se aprecia en las diferentes maderas que se pueden usar para su fabricación esto le aporta un sello muy particular de la misma manera hay cambios en como se colocan algunas de sus partes principales. 

Por ejemplo, se tiene una menor distancia entre la disposición y las cuerdas cosa que hace mas fácil su ejecución esto lo vuelve más apto para quienes no tienen tanta experiencia, se emplea para el flamenco y su sonido no se ve interrumpido por el cantante.

Guitarra Eléctrica

Este tipo de guitarra permite que al tocar las cuerdas se produzca un efecto electrizante y se utilizan partes personalizadas en su construcción tales como sus pastillas. Se usaba principalmente en jazz aunque no tardo en ser empleada para otro tipo de música jugo un papel fundamental en la historia del rock and rol y así mismo en el funk entre otros géneros que se benefician de ella 

Comenzó a ser utilizada en la música jazz, pero no tardó en aprovecharse en otros tipos de música.

Ha tenido un papel clave en la historia del rock and roll y también se usa en el funk, entre otros géneros musicales que se benefician de ella.

Guitarra electroacústica

Esta es una acústica a la que se le implementaron dispositivos de modelos eléctricos lo que la vuelve una combinación entre acústica y eléctrica tiene dos variantes de caja o de cuerdas de metal.

Hoy por hoy la guitarra es uno de los elementos más importantes de la música en general y ha estado presente posicionándose como el instrumento favorito de chicos y grandes, gracias a su versatilidad acoplándose a todos los géneros ha ido de la mano de la evolución de la música con el paso de lo años.

Alondra de la Parra: una directora de corazón

Una de las directoras de orquesta mexicana más destacada, es sin duda, Alondra de la Parra, reconocida a nivel mundial. Esta talentosa mujer ha puesto el nombre de México en alto con sus dotes musicales. 

Su muestra de compromiso y generosidad, ha sido el motor de varios proyectos en beneficio de la población más vulnerable, pues, su mayor deseo es que la música llegue a los lugares más recónditos, para usar el arte como medio de transformación social. Su vida

Hija del escritor Manelik de la Parra (descendiente de la talentosa Yolanda Vargas Dulche) y de Graciela Borja. Nació en la Ciudad de Nueva York el 31 de octubre de 1980, es hermana mayor del actor y cantante Mane de la Parra. 

Teniendo dos años, su familia se trasladó a la Ciudad de México, a la edad de seis años empezó a estudiar piano, posteriormente, cumplidos trece años estudió cello.

En realidad toda su vida ha estado presente la música desde pequeña. 

A sus diecisiete años y como premio de sus buenas notas fue llevada al Festival de Salzburgo, Austria a ver La Condenación de Fausto, con La Fura dels Baus, evento que transformó su vida personal cómo musical, a tal grado que la inspiró para querer estudiar dirección musical. 

Inició sus estudios de composición en el Centro de Investigación y Estudios Musicales (CIEM), en México 

Obtuvo su licenciatura en piano posteriormente, realizó su maestría en Dirección Orquestal, en ambas se graduó con honores por la Manhattan School of Music de Nueva York. 

En el 2004 inició un proyecto de orquesta llamada Filarmónica de las Américas para jóvenes solistas,  al mismo tiempo que estudiaba piano, la finalidad de ésta era promover el repertorio de las Américas en Nueva York. Estuvo conformada por más de 100 personas entre músicos, staff, voluntarios. Además uno de sus propósitos era ayudar a niños de escuelas públicas del Bronx para que estén más cerca de la música y menos de la drogadicción. Para ello, se creó un currículum especial, para que se iniciaran en la composición musical. 

Visión de Alondra como directora.

Para ella es muy importante la responsabilidad, el compromiso, tener un oído fino que permita tomar decisiones, conocer hasta el más mínimo detalle de la partitura. 

Cómo dato curioso, Alondra reveló en un entrevista  para la  radio RFI  Español, que nunca pensó que su carrera musical la llevaría tan alto como para ser directora. Hasta que su papá le dio la motivación para que estudiará Dirección Orquestal. 

Para estudiar su maestría de Dirección Orquestal, preparó un currículum el cual presentó a los directores de la Manhattan y fue aprobado. Lo que le permitió graduarse con honores. 

Durante su faceta de estudiante no paró de aprovechar todas las oportunidades que se le presentaron en el ámbito musical y eso le ayudó a lograr sus metas, sin embargo, no todo fue fácil, tuvo que lidiar con gente que no aprobaba su trabajo y su esfuerzo, había gente que le costaba creer que alguien con tan corta edad podía realizar la dirección de toda una orquesta y más siendo una profesión donde los hombres imperan. 

Su más reciente proyecto ha sido formar la Orquesta Imposible, en pleno confinamiento mundial por la pandemia del COVID-19 que aún sigue presente, de ahí su nombre. 

El proyecto resultó ser muy ambicioso, pero su resultado fue mágico. 

Consistió en reunir a los 30 mejores músicos de 14 países y la participación de la bailarina mexicana Elisa Carrillo. 

Los mayores retos en voz de Alondra fueron dirigir a través de streaming individual, unir los videos para tener una sincronización perfecta, practicar nuevamente piano, pues a parte de dirigir ella tocó ese instrumento.

Este proyecto tiene la finalidad de recaudar fondos para mujeres y niños que enfrentan situación de violencia en México. 

Familia

Madre de dos hijos Luciano y Julián, fruto de su relación con Teo de María, baterista de la banda Liquits. 

Trayectoria 

En su página web oficial, se encuentra todos los proyectos en los que ha incursionado por el mundo, como director artístico, director huésped; además, los premios y reconocimientos a los que ha sido acreedora.

Cargos como Director por nombrar algunos 

2017 - 2019

Queensland Symphony Orchestra: Directora Musical

2012 - 2013

Orquesta Filarmónica de Jalisco:

Director Artístico

2004 - 2011

Philharmonic Orchestra of the Americas:

Fundador y Director Artístico

2003 - 2011

Music Festival of the Americas at Stowe:

Director Artístico

2005 - 2008

Manhattan School of Music Symphony:

Director Asistente Suplente

2005 - 2007

New Amsterdam Symphony Orchestra:

Director Huésped Principal

1995 - 1996

St. Leonard’s Mayfield School Orchestra:

Director Asistente

2018 

Premio a la Mujer del año 

2017

-Nombrada Embajadora Internacional para Mercedes-Benz

- Premio Sports Emmy

- Diploma Honorífico Doctor Honoris Causa por UVM

- Premio del estado de Querétaro

- Premio del estado de Puebla

- Premio del estado de Quintana Roo

2016

- Luna del Auditorio: London Philharmonic Orchestra

- Premio del estado de Durango

2015

- Premio Montblanc Culture Arts Patronage

En conclusión, Alondra de la Parra es una mujer ejemplar que ha llevado en alto el nombre de México, por su trabajo en el ámbito artístico y su compromiso social demostrando que ante la adversidad se puede lograr sueños 

Su talento la llevó a ser reconocida a nivel internacional, pero, también su perseverancia y su entusiasmo la han hecho brillar.